爱乐之城艺术风格（全文完整）

下面是小编为大家整理的爱乐之城艺术风格（全文完整）,供大家参考。希望对大家写作有帮助!

爱乐之城艺术风格4篇

【篇1】爱乐之城艺术风格

[苏轼的艺术风格]苏轼经典作品及艺术风格

苏轼的词创作是从他中年出任杭州通判时开始的，他最早的作品《浪淘沙咋日出东城》和《南歌子海上乘槎侣》，前者写春天之景，语言平易流畅，意境虽无过人之处，倒也清新可爱;后者写钱塘江潮，苏轼词的豪迈气概和诙谐风格微有端倪。统观全局，苏轼词中最引人注目的是政治、情爱、农村三类作品。

苏轼是满怀热情投入到政治生活中的，但是不幸的家庭经历、多蹇的仕途命运、严酷的权力争斗使他蒙受了一次次打击。在作品中，有对理想的热情，有落魄的郁愤，有逆境中的不甘沉沦，真实细致地反映了苏轼复杂而又丰富的内心世界。苏轼还是性情中人，无论是亲情还是友情，大都写得真切感人。陈廷焯《白雨斋词话》评论说：东坡之词，纯以情胜，情之至者词亦至，只是情得其正，不似耆卿之喁喁私情耳。《江城子乙卯正月二十日夜记梦》：

①　彭乘：《墨客挥犀》。

②　见原词序。

③　陆游：《老学庵笔记》。

十年生死两茫茫，不思量，自难忘。千里孤坟，无处话凄凉。纵使相逢应不识，尘满面，鬓如霜。夜来幽梦忽还乡，小轩窗，正梳妆。相顾无言，唯有泪千行。料得年年肠断处，明月夜，短松冈。

此词作于熙宁八年(1075　年)密州任上，距苏轼元配夫人王弗去世正好十年。词的起片开门见山，直抒感慨，丝毫不用铺垫和渲染，将思念和盘托出，有不吐不快之势。生死殊途，南北相隔;仕途的失意，人生的苦闷，满腑凄凉无处倾诉。接下来退一步讲纵使相逢应不识，因为自己早已不是意气风发的年轻人了。下片写梦中相见，结句料得年年肠断处，明月夜，短松冈。将无法排解的思念之情溶入连绵不尽的未来，更衬出未亡人的情真意挚。以词来写悼亡之情，苏轼是第一位也是写得最好的一位。

苏轼与下层劳动人民接触的深入与广泛，超出了同时代的任何一位作家，因此，他对劳动人民的疾苦十分敏感。当看到秋禾不满眼，宿麦种亦稀时，他永愧此邦人，芒刺在肤肌，进而痛感平生五千卷，一字不疗饥。①苏轼词作品，对劳动人民的疾苦远不如诗描写得那样深刻。在全部30　余首农村词中，最为成功的当属描写乡村风俗和勾画作者与乡野父老亲切融洽关系的作品。《浣溪沙徐门石潭谢雨道上作》其二：旋抹红妆看使君，三三五五棘篱门，相排踏破茜罗裙。老幼扶携收麦社，乌鸢翔舞赛神村，道逢醉叟卧黄昏。

【篇2】爱乐之城艺术风格

电影《爱乐之城》的艺术特色分析

作者：周铭

作者机构：湖北文理学院文学与传媒学院

来源：西部广播电视

ISSN：1006-5628

年：2018

卷：000

期：012

页码：105-107

页数：3

正文语种：chi

关键词：爱乐之城;叙事;色彩;音乐

摘要：经典的影视作品凭借其多元变幻的光影造型和动人心弦的音乐元素震撼观众的心灵,在影片《爱乐之城》中,独特的视听造型元素获得了观众的广泛审美认同.在线性叙事结构的框架下,跌宕起伏的故事情节与多元变幻的叙事元素完美融合,每帧画面都像油画一般明艳而复古.作为一部歌舞片,《爱乐之城》在音乐处理上尤其出彩,一举摘得奥斯卡最佳原创配乐和最佳原创歌曲两项大奖,成为好莱坞类型电影的新标杆.

【篇3】爱乐之城艺术风格

摘要：印象派大师——莫奈终其一生，对阳光下的自然景物进行了详尽的研究，是一位真正的印象主义者，是历史上第一位把风景中的光与色作为唯一创作追求的画家。通过对其一生的艺术风格构成元素的探究，揭示其对现代艺术作出的贡献，以此说明对莫奈的历史价值应该有一个新的认识。

关键词：莫奈 光与色 特色

引言：

光的颤动，影的通透，色彩绚丽且真实，是莫奈绘画给人的感受。对莫奈绘画的阅读已经公认是一种愉快的视觉旅行与享受。因此使笔者对这一视觉的拓荒者的艺术风格产生浓厚的兴趣。

一、       印象主义之父——莫奈

从印象主义的产生、发展来看，始作俑者非马奈莫属。但真正完全实现印象主义理念和技法，并且一贯之的当推莫奈。

莫奈终其一生，对阳光下的自然景物进行了详尽的研究，他是一位真正的印象主义者。他笔下那接天映日的白杨，逆光的草垛，变幻莫测的教堂，梦幻般的睡莲……这一切，形成周而复始、延续不断的大自然，自然形象在转瞬即逝时刻中的各种美貌只有在莫奈的画笔下方可穿越时空成为永恒。

基于这一贯的坚持以及捕捉光影的贡献之大，以至有这样说法：如果把塞尚称为“现代绘画之父”，莫奈可以称为“印象主义之父”一些现代艺术在空间和色彩方面的表现，均早已出现在莫奈的作品中[1]。尽管他并非印象主义的第一人，但这样的美誉，他当之无愧。

二、       莫奈的艺术风格

从莫奈一生的创作中可以窥见其创作目的的主要是探索表现大自然的方法，记录下瞬间的感觉印象和他所看到的充满生命力和运动的东西，并以此贯穿整个绘画生涯。简而言之，对自然光与色的准确描绘对莫奈来说，是头等大事。是他艺术风格的主特色。

㈠主特色形成原因：

纵观莫奈的绘画作品大部分是没有主题思想的风景画，这无疑是受到当时巴比松画派的首领柯罗的思想所影响，然而起直接推动作用的并非是柯罗，而是布丹。布丹是莫奈的第一位老师，启发莫奈直接面对风景写生。莫奈接受了他的信念：“今天已经是浪漫情调的天下，因此，我们一定要去寻找自然的纯朴的美……从它的全部丰富多样中，从它的新鲜中所真正看到的自然。”[2]并且，布丹还说到：“当场直接画下来的任何东西往往是有一种你不能在画室里找到的力量和用笔的生动性。”当他坚决主张“一幅画不是它单独一部分而是它整个画面感动人”[3]时，他还主张“要非常顽强地保留最初的印象，它是一个好东西。”[4]这些思想在莫奈的脑中可谓根深蒂固。使莫标投身自然，体验监场写生的快感。注重整幅画的色调处理而不依据题材本身来处理一个题材，这点同时也就是印象主义者之所以区别于其他画家们的地方。

19世纪初期，由于受自然科学对光学理论的重大发现的影响，特定气氛条件下的光与色的表现成了莫奈的拿手好戏。但并非始于他，而是他的第二个良师益友——琼康。他对莫奈的影响可能是更有决定意义。库尔贝的朋友卡斯托雅里曾经写道：“我喜欢这个家伙，琼康，他彻头彻尾是一个艺术家：我发觉他是一个纯真和敏感的人。在他看来，每样东西都处于‘印象’里。”[5]琼康忠于他的印象，尝试在他的画里不去表现他对题材所了解的东西，而去表现它如何在特定的气氛条件下显现出来。他把气氛条件作为他研究的真正题材。不久，莫奈就跟着琼康向同一方向前进。

由此可见，以上莫奈绘画最主要的两大特色不仅非他所独创，而且是受他人影响。那么为何我们今天还来谈论呢？是否没这必要呢？其实不然，正如前文所述，“真正完全实现印象主义理念和技法，并且一以贯之的当所作推莫奈。”换句话说，讨论他的意义在于莫奈的一生是风景绘画中光与色关系发展的写照，并将之推向极致。是第一个把风景中的光与色作为唯一创作追求的画家。

（二）深入发展的主要原因与特色比较

莫柰是一个谦虚、执着且喜欢深思的画家，也许正是这一性格特征让他成为历史上的莫奈的主要原因。莫奈的一生是在印象派道理上不断发展的，把莫奈所画的两幅肖像画做比较，这一点就很明显，一幅是在印象派形成前的1866年所画的《高纳柏夫人画像》（图1），另一幅是属于印象派时期的《刺绣的莫奈夫人》（图2）。前者，莫奈没有注意反射的光线，在明亮的气氛中，出现一块不调和颜色时，形象的轮廓就会清晰地显现出来。后看则不相同，他已注意到反射光线的作用，使这幅画达到了和谐的感受，光线虽然很强烈，但形状各色彩却彼此融合，画面充满了调和感。此时，可以说印象派色彩的真正意蕴已融入莫奈的作品中。之后，不断向前发展。

他常在不同的时间和光线下，对同一对象连续作多幅描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感受。不注重对象明晰的立方体形状。

莫奈在有限的空间中发现了无限个意象。著名的艺术史学家艾里·胡尔“十万”来描写无限意象的观念，他写道“对莫奈而言，在瞬间的空间里，有十万个可能的意象。”[6]这在他19世纪90年代已体现得淋漓尽致。主要代表作有《干草垛》、《白杨树》、《卢昂大教堂》、《便桥》、《国会大厦》、《塞纳河之晨》。莫奈运用他的睿智，强而敏感的观察力，在刻意忽视物体所谓固有色的同时，捕捉到了物体每一刻新鲜的变化。他说：“这就是我的目的所在。首先，我需要真实和准确。对于我来说，一幅风景画并不仅仅是一幅风景画，因为它的存在形式是时时变化的；
同时它也存在于周围的环境、空气和光线这些不断变化的事物之中。”[7]右图所示，展示了莫奈眼中的强烈的色彩印象。如图3所示，在正午充足的阳光下，教堂正面沐浴在金色的光线中，伴随着淡灰的蓝色阴影，同时，教堂的表面受光部分已经被翻译成纯灰相间的各种黄色，甚至某些亮部已经被强烈的阳光淡化成白色。相反，如图4所示，在落日的余辉中，莫奈眼中的教堂正面已经转换成一种苍白的带有淡淡的蓝灰色，而那些墙上的壁凹则被赋予了一种鲜艳的橙色和红色。

90年代以后的一系列同主题系列作品均可看成莫奈探索光色的实验见证。如果说，莫奈19世纪90年代的努力是他在当时创作生涯中最为专注的，作品也是其创作目的体现得最为丰富的时代。那么其晚年26年的成就则更为集中，更为深邃，当然也更为感人，他的题材逐渐缩减，甚至只是描绘水池和花园。观看这些作品，尤其是睡莲系列。我们可以感觉到，莫奈对这些作品作了一些限制——压缩的空间、狭窄的视角。他试图减少绘画中的基本元素，将绘画单纯化，充斥着整个画面的只有色彩本身。如《玫瑰花径》。而色彩本身却能表现得如此瑰丽丰富，笔触与色彩完美融合，共同表达一个丰富的色彩世界。就如古斯塔夫·古佛瑞的评论：“每幅画皆自成一世界，能唤醒宇宙事物间的和谐。”[8]

至此，我们可以窥见：莫奈已将色彩本身提升为内容，将绘画单纯化。这点是史无前例的。

这26年的作品，可以说是这位年长的艺术家对光线的最后呼唤，也是他对长期滋养他力量的礼颂。

基于以上的分析，我们可以发现莫奈的艺术生涯是在探索光与色这艺术要素中不断深化。与他前后的画家相比，他的艺术追求显得单一且明确，矢志不移地坚持对光与色的追求这一目标。他不像雷诺阿从注重印象色彩向注重古典造型转型，甚至在同一张作品有两种风格。如：《伞》；
不像毕沙罗时而尝试点彩画法；
也不像马奈由于受到日本版画的影响而渐渐呈现一种装饰味道。如：《奥林匹克》。然而，莫奈也受日本版画的影响，在它的《日本桥》存在某种装饰性，当时一位以精敏著称的美术新闻报艺评者罗杰·马克思认为：“莫奈的画与日本画的形式架构有些直接的关联，正如日本艺术以阴影表现存在，以个别成就整体。”[9]但是，莫奈的艺术追求并没改变，否则也无需创作一系列《日本桥》以探索光色的变化。

（三）艺术风格的构成元素

1．光与色

光与色是莫奈绘画的主题，它产生的历史背景，前文已述。然而莫奈并非单纯地将光线翻译色彩，他更为关注的是在千变万化的光线下空气的色彩。大气的感觉尽在莫奈的笔下体现得淋漓尽致。化对色彩的敏感度极高，以致在1875年7月，当莫奈的妻子最后逝世而他在破晓时熟视她时，不管他如何的悲痛，他注意到，比其他一切更为他双目所感受到的，是她年轻的脸上色彩的变化。甚至在他决定画下她最后的肖像之前，他的画家的本能使他看到了为死亡所投予的蓝色、黄色和灰色的调子。对于莫奈的色彩敏感度我们遥不可及，然而从他的作品中我强烈的感受到一种色彩关系的整体性。如右图所示：这是他描绘国会大厦不同时候的色彩印象，对比一看，我们难以不惊叹于他对光、色敏感程度，正如塞尚所言“莫奈仅是人的眼睛而已——可那是怎样的眼睛啊！”[10]假若我们把每幅画分为100个格子，然后把三幅画中的任何一格互相调换，可以想象，三幅画中新加入的那一格都与这三幅画是格格不入的。

这是一个色彩关系高度整体性的问题，莫奈时常在白色画底子上直接画画，尽管他与常在褐色底子上画画的库尔贝是良师益友，但是却拒绝库尔贝所继承的古老传统的绘画方法“主要是用明和暗的团块，围绕着它们填上中间调子”。[11]直接画在白色画布上，虽然在明暗层次上较之难预定效果，但对色彩的对比却极为有利。这点我深有体会，假若在非白色底上作画，会时常干扰我们对正确的色彩关系进行“匹配”。而在白色底则相反。在莫奈的画中无论暗部还是亮部都是变化丰富的色彩。他通过钻研冬景，发现“暴露天光下的周围的东西影响那些留在阴影里的物体各部分的颜色。”[12]的确，在一次色彩风景写生课中，当时的我尚未了解莫奈理论，但一棵树干同样让我发现了这一点。早上10点钟淡黄色的阳光温柔地照射在树干上，一眼望去，淡黄的亮部与淡灰紫的暗部毫不费力的映入我眼帘。引起我这个（正在尝试表现它）画者的好奇心，我逐渐接近它，试图观察其变化。但当我越接近树干时，紫色的成份也随之淡化，最终取而代之的是我们常见的树干固有色。当时，无知的我不知所以然，是莫奈启示了我探索风景的光与色。于是，我也尝试去表现下午5点钟的逆光草垛，当我整体观察整组色彩时，形体与背景的边线模糊了，亮部闪烁着桔黄色的光芒，草垛的所谓固有色自觉地消失，在亮部的中间，时而有一丝丝的朱红与白色相间，显得格外耀眼。以固有色著称的明暗交界线，此时，名不虚传果真成了一条线，并需仔细察觉方能发现。暗部颜色变化要靠暴露在阳光下的颜色来察觉。由于5点钟的阳光是斜射在物体上，因此，反射光线相对较少，暗部颜色也就较中午阳光直射时重许多，变化也就更为微妙。呈现出一种深灰蓝色的感觉，并与灰黄绿色相间且逐渐变化，才显得通透。当我盯着暗部色块以寻找颜色变化时，由于“色彩的恒定性”[13]很快让我的眼睛适应了平常所见的土黄色的草堆。这是可怕的！假如按这一视觉经验画上去，颜色是难以与原来的深灰蓝色谐调。所以，这一实验告诫了我。要时时以整体色彩关系来把握局部的色彩关系。我想这也是莫奈在把握色彩关系上最为突出的特点。

“色彩的冷暖交错”是我从莫奈画作中汲取的另一精华。这点在他90年代以后的画作中体现的很明显。如《干草垛》系列。特别在后期26年中，更为自由，更为疯狂的表现出来。如《日本桥》系列。而我则将这一点运用到我的人体创作中，传统的人体定写生中色块的渐变在我这里则被分离为补色相交错产生的另一色块。由不同的补色色线交错形成不同的色块，使色块本身更有色彩表现力。当然，必须在整体高度统一的前提下，方能成效，否则适得其反。让我初步体会到徐悲鸿先生的一句话：“尽精微，致广大”！

2、水

纵观莫奈的画作，大部分的题材离不开水，水成为支配画面的主题，有时甚至采取一种隐喻性来表现水的感觉，他在1892年到1894年画的《卢昂大教堂》连作，水好象由罅隙中倾泄而下。其实，正是由于水具有反射和反映的特性，莫奈借助于对水的研究来发展他的色彩关系理论。对水的研究让他借以表现无形体的团块，这些团块要生动起来只能靠色彩丰富的细微差别，来表达其空间深度的目的。这一研究有助于莫奈提高对光与色的敏感程度。在创作中，我发现对水的描绘实为困难，它涉及到空间上的广延和反映于水中物体的深度，以及阳光通过水反映出来的色彩准确性的把握。可见，要探索光与色，水还真是一个首选的媒介。

3、用笔

莫奈的大部分用笔是短而小（这点经予了新印象派的灵感）、富于跳跃感且显得自由多变、生动柔美。具有一种“速写性”的感觉。由于莫奈是以追求光与色为目的，这一“速写性”的特点可以增加他的作画速度，捕捉住对物象的瞬间印象，进而刻画出个移动性的色彩要素。这些笔触一点一点画到画布上，以求再现各自然对象的纹路和光的颤动，显得格外生动性。然而，在他部分较为长期的系列组画中，如《干草垛》图8、《睡莲》图9却出现了另一种笔法：干擦。这种笔法是在已有的颜色上再干擦上其它颜色，以使色彩层层丰富。在《干草垛》系列作品中，透过光线照射下的亮部鲜纯的颜色间依稀可见一点点冷暖交错的灰色，使之产生一种纯灰相间的闪烁光感。在《睡莲》系列部分作品中，莫奈用同样的手法在重色上干擦轻色，或在灰色上干擦其补色，使之呈现一种安详静谧，沉稳如磐的感觉。单是这几种用笔足以令我领悟到油画语言本身的丰富性，是那么的自由，没有规则。可视绘画对象而定，也可随本身创作目的而选。

三、       莫奈的历史价值

综上所述，莫奈是历史上第一个把风景中的光与色作为唯一创作追求的画家。他短小的笔触及色彩交错组织直接导致以修拉为首的新印象派的诞生；
他的跳跃笔触及色彩造成画面的不稳定感以及对形体的忽视引起了以塞尚为代表的后印象派的反叛，进而促使其产生。故有“印象主义之父”之称。

如上所述莫奈艺术风格的构成元素可以使他被誉为“印象主义之父”。然而，有一点常被我们所忽视：他将色彩本身提升为内容，摆脱了传统题材的故事性，将绘画单纯化，这点启发了现代艺术家的思维，促成了以形式为内容的抽象艺术的诞生。正如：1895年，当康定斯基在研究莫奈的《干草垛》时，首先他有一种感觉：一幅画所代表的并不见得就是可下定义的物体原态[14]。这也是他对抽象艺术的第一个体验概念。这说明了我们对莫奈的历史地位应该有新的认识。

莫奈直接影响了新印象主义和后印象主义的产生，对现代艺术的形成起启发性的作用，他对光与色的研究为现代艺术作出了巨大的贡献。

【篇4】爱乐之城艺术风格

爱乐之城观后感 爱乐之城精彩影评
【爱乐之城观后感】
当塞巴斯蒂安为已经嫁为人妇的米娅弹完最后一个音符，电影 院里已是哭声一片；
这一对支持彼此追求 诗和远方 的佳偶分道扬 镳，让多少观众心痛不已。夺得金球奖七项大奖，又获得奥斯卡奖 14项大奖提名的《爱乐之城》果真有如此魅力吗 ？
若让我来评价这部电影，我只能说，影片前半部乏善可陈，甚 至令人恹恹欲睡，后半部情节有稍许惊喜，间或穿插进的歌舞如同影 片剧情推进的调味剂，等你看剧情看到坚持不住时，歌舞就碰了出来， 让观众从平淡无奇中暂时解脱。歌舞片是好莱坞的
传统保留项目，
若要和《音乐之声》《雨中曲》这些剧情饱满，歌舞流传于世几十载 的歌舞片黄金时代的作品比，《爱乐之城》只能算是个小字辈。
至于为何该片夺得那么多奖项和奖项提名，哎，大洋彼岸的审 美标准不一直是上蹿下跳的么？一时把大奖给《拆弹部队》这样的 主 旋律 影片，一时又突然青睐法国拍的复古默片。歌舞片是美国电影

的传统，并且是已经没落的传统，这些个奖项和奖项提名间大概混杂 着向传统致敬的意味。
但《爱乐之城》远渡重洋来到中国，缘何受到这么多中国年轻 人的青睐，让他们在影院内影院外感动到哭断肠 ？塞巴斯蒂安和米娅 的爱情，折断在米娅的成功之路上，历经挫折，米娅成了影星，嫁给 大款，过起了奢华生活；
他们两个，相遇在塞巴斯蒂安开的爵士酒吧 里，塞巴斯蒂安终于实现了自己的音乐梦想， 可此时他的爱人已嫁作 他人妇。他颤抖着为爱人再奏一曲，此时影片给出了一个令观众肝肠 寸断的情节假设：这对佳偶结合，共度一生。
错过，令人肝肠寸断。但细细想来，米娅这样的姑娘能成为心 怀各种梦想的男人的佳偶吧？米娅为着塞巴斯蒂安不为人认可的钢琴 演奏迷上了他 她弃了上流社会的富裕男友，和一贫如洗的塞巴斯蒂 安相依相伴。当这对恋人租住在狭小简陋的公寓中过着贫穷生活时， 米娅从未抱怨过爱人，她没觉着爱人经济条件差是
对不起她 相反, 当塞巴斯蒂安为着5000美金月薪和流行乐队四处巡演时， 米娅却想 放弃他了，因为他 放弃了梦想。
想想我们周遭的现实，多少女人为经济的困顿抱怨男人，会为
着5000美金的月薪帮男人戒断梦想，会把爱人的价值等同于
5000
美元的月薪？米娅不是，她要 诗和远方，她自己追求到了 诗和远 方，她也要陪着爱人追求诗和远方。很多人说，《爱乐之城》告诉 我们，爱是互相成就。很多人哭，因为米娅之爱求而不得。我们常常 以爱之名逼爱人与现实苟且，我们常常被所谓的爱囚禁在鸡零狗碎的 生活表层。米娅之爱，是爱应有的样子，但世间诱惑太多，此爱难求。
米娅之爱也凸显了《爱乐之城》的高级之处：它在一个看上去 很俗套的爱情故事中，加入了这一笔超凡脱俗，叫我们俗世男女反思 爱的真谛。塞巴斯蒂安与米娅这对佳偶是否在一起已不重要，
因为他
们都目送对方到达了他们追求的远方，他们是爱人，也是战友。

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